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Comparanza de experiencias musicales

L. van Beethoven

Quienes carecimos de talento u oportunidad para desenvolver aptitudes melódicas quizás ínsitas en todo ser  humano, solemos relacionarnos con la música en sus planos más elementales de ritmo y sonido. Experiencia que basta para memorizarla e imitarla con movimientos (danza, marcha) y con el canto o el simple tarareo. Cuando la escuchamos en elaboradas composiciones vocales e instrumentales, a menudo ejecutadas por bandas, coros, orquestas y otros agrupamientos de intérpretes o artefactos sonoros, llegamos a diferenciar sus cualidades y evaluarlas según la novedad o conformidad con añejos gustos. Si la música atonal ingresa en nuestro interés, nos permitimos gozarla. Somos libres de aceptar o no como “música” un concierto construido con cien metrónomos instalados sobre las gradas o tablones de un estadio.

Ese “conocimiento empírico” del arte inventado por Apolo y auspiciado en sus variantes por  al menos cuatro de las nueve Musas, suele bastarnos en la apreciación laica (o lega) de toda creación musical a la que asistamos como oyentes y aun improvisados participantes. Tan elemental nivel parece sernos suficiente para juzgar acerca de su calidad recomendable, con el consiguiente riesgo de exhibir  la propia ignorancia y suscitar controversias. Tenemos por superior árbitro el placer que lo oído o escuchado nos proporciona, sin los medios argumentales que fundamenten nuestro juicio, y pasamos a atender la siguiente preocupación cotidiana. Nos faltan el incentivo y la ocasión de cimentar o derribar el inicial veredicto.

Sin embargo, uno de los medios poco onerosos de compartir el disfrute musical a  escala íntima o en connivencia con amigos sería utilizar el método comparativo para afinar la sensibilidad y la apreciación de los matices, los sonidos de los diversos instrumentos, los estilos de ejecución y de conducción musical. Para ese menester, la denostada reproducción electrónica de piezas musicales viene a auxiliarnos. Podemos escuchar una misma composición con diferentes intérpretes, a variados tonos, ritmos y claves, en múltiples escenarios y épocas. Escucharlos, fragmentar su duración y tiempo, reordenar las correlativas vivencias en la mente y cotejarlas con otros oyentes. Detallar las respectivas críticas en torno de lo oído y del método empleado: comparar para descubrir relaciones o estimar diferencias o semejanzas.

Propongo comenzar esa experiencia con piezas muy conocidas, esas que evitamos escuchar más a menudo a causa del temor de criar un callo en el oído. Acabo de iniciarla con el Concierto para piano y orquesta n° 3 en do menorOp. 37, de Ludwig van Beethoven. Nada sabía sobre esta composición, salvo que su música me subyuga. Los comentarios que aquí la acompañan son copias de internet, e innecesarios para el renovado disfrute. YouTube y Vimeo ofrecen más versiones de esta misma pieza musical.

video https://www.youtube.com/watch?v=R1QNhRNxvTI  Bernstein – Zimerman

Barenboim https://www.youtube.com/watch?v=8m0JMErygG0&t=154s

Ott https://www.youtube.com/watch?v=PM0HqmptYlY&t=421s Orq. Radio France

El Concierto para piano y orquesta n° 3 en do menorOp. 37, de Ludwig van Beethoven (1770-1827) fue compuesto entre 1800 y 1803, y estrenado en Viena el 5 de abril de 1803 con el compositor como solista. El concierto está dedicado al príncipe Louis Ferdinand von Preußen (1772-1806).
El Concierto para piano No. 3 de Beethoven se estrenó en Viena el 5 de abril de 1803, el mismo día que el oratorio de Cristo en el Monte de los Olivos y la Segunda Sinfonía. Escrito en do menor, un tono querido por su compositor, se divide en tres movimientos. El Allegro con brío se abre en una larga página orquestal con la exposición de los dos temas principales, que luego aborda el pianista. Durante el desarrollo, se establece un diálogo entre solista y orquesta. El movimiento termina con una cadencia en el piano, inspirada en el primer tema.
En el corazón del Largo, los arpegios del piano apoyan la canción entonada conjuntamente por la flauta y el fagot, imbuidos de serenidad. Finalmente, en el Rondó, orquesta y solista conversan con vigor. Ciertamente el primer concierto “grande” de Beethoven, que marca un progreso notable en el equilibrio entre solista y orquesta,  equiparados como verdaderos iguales.
El 3er Concierto para piano de Beethoven es el único concierto para piano del compositor en  clave de Do menor. Se considera su primer concierto para piano con características sinfónicas, que habría de ayudar al género del concierto para piano a dar el salto desde el salón hasta la sala de conciertos. Los avances en la construcción del piano favorecieron este desarrollo. Como ejemplo, El Concierto para Do menor de Beethoven y el KV 491 de Mozart tienen en común un acorde quebrado en las cuerdas como motivo principal, un timbal en la puntuación de cadenza, así como entre cadenza y el acto de cierre una versión de la coda a cargo del piano

Con la considerable producción de 27 conciertos para piano,  Mozart contribuyó, indudablemente, a que el concierto para piano y orquesta del siglo XIX  se convirtiera en una forma muy extendida en la práctica musical vienesa.

La figura del “intérprete”
Los cambios que experimentará el concierto en el siglo XIX obedecen a la naciente valoración de “lo artístico”, al descubrimiento del individuo de la mano del romanticismo, y con ello el surgimiento de la figura del “intérprete”, quienes toman conciencia de sí como seres excepcionales, capaces de realizar proezas técnicas que asombran a una audiencia atónita ante la perfección de ejecuciones cada vez más difíciles, inalcanzables para el resto de los mortales. Lo que supone, de pasada, el fin del autor-intérprete, tan a la mano en el siglo anterior. Este proceso, gradual como todos los procesos, tuvo su inicio en los primeros años del siglo y su primer impulsor fue, sin lugar a dudas, Ludwig van Beethoven.

De los cinco conciertos para piano, los dos primeros (donde el que lleva el número dos es cronológicamente el primero) son de transición entre un mundo que va quedando atrás y el nuevo que llega de la mano de la revolución francesa. Claramente no responden al estilo mozartiano, revelando una actitud más ambiciosa que cualquiera de los de Mozart, si bien son todavía reducidos en su concepción.

El verdadero cambio de estilo llegará con el concierto N° 3 en do menor, opus 37, terminado en 1800, estrenado en abril de 1803 y publicado en 1804. La música ha dejado de ser fresca y ligera para adquirir rasgos épicos y turbulentos, mostrando el sello de una segunda etapa en la vida del maestro, pues la sordera ha comenzado definitivamente. En el otoño de 1802 Ludwig confesará su dolor en el testamento de Heiligenstadt (que solo se conocerá después de su muerte, veinticinco años más tarde), donde se lamenta amargamente de que le haya tocado precisamente a él, un músico, perder el sentido de la audición.
El concierto N° 3 es el único escrito en modo menor y refleja una clara evolución en su literatura pianística. No por nada, a esta altura Beethoven ha compuesto dieciocho de sus 32 sonatas para piano. (fuente ttps://labellezadeescuchar.blogspot.com/2013/07/beethoven-concierto-para-piano-n-3.html ).

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Escribe Ramón Avello en https://www.facebook.com/notes/ospa-orquesta-sinf%C3%B3nica-del-principado-de-asturias/notas-al-programa-beethoven-concierto-para-piano-y-orquesta-n%C2%BA-3/1496308283742485 :

El Concierto para piano nº 3 en do menor es una obra bifronte. Respecto a la evolución estilística de Beethoven, nos presenta dos caras. Una de ellas mira hacia el Mozart dramático de los conciertos para piano nº 20 (K 486) y, especialmente, el nº 24, (K 491), hasta el punto que se puede hablar de un homenaje al compositor salzburgués en esta obra. La otra, anticipa el concierto de piano romántico, centrado en el equilibrio de dos fuerzas sonoras, la orquesta y el solista, tratadas como iguales, al mismo tiempo que se adentra en la concepción beethoveniana de la música como expresión de sentimientos. La tonalidad de do menor, común al Concierto nº 24, K. 491 de Mozart, la encontramos en varias obras de Beethoven, generalmente asociadas al sentimiento de la pasión conmovedora –por ejemplo la Sonata en do menor, nº 8, “Patética”–, la muerte –“Marcha fúnebre” de la Tercera Sinfonía, “Heroica”, y la idea del destino, como en Coriolano o la Quinta Sinfonía.

La creación del Concierto nº 3 fue lenta y laboriosa. Los primeros bocetos y referencias al concierto datan de 1800, sin embargo, la mayor parte se escribió, paralelamente a la Segunda Sinfonía, a lo largo de 1802. Ferdinand Ries, discípulo de Beethoven, cuenta que cuando se estrenó el concierto en 1803, con Beethoven al piano, había páginas de la partitura solista que no estaban todavía pasadas al pentagrama en su versión definitiva, lo que nos da una idea de los retoques incesantes a los que Beethoven sometió la partitura. La época de la composición coincide en su mayor parte con el año de 1802, en el que se manifestaron los inicios de su sordera y la consiguiente angustia y retraimiento del compositor. Pese a ello, no estamos ante un concierto de sentimientos desoladores, sino una música vigorosa en el primer movimiento, ensoñadora en el segundo, abiertamente alegre en el final. La partitura está dedicada al príncipe Luis Fernando de Prusia, uno de los nobles melómanos amigos y protectores de Beethoven.

Las referencias al Concierto nº 24 en do menor, de Mozart figuran sobre todo en el Allegro con brio con el que se inicia el concierto. Los primeros movimientos de ambas obras siguen la forma de sonata, con una doble exposición de los dos temas. El primero, en do menor, algo marcial y solemne, iniciado por la melodía en octavas en la cuerda; el segundo, en mi bemol mayor, presentado por los clarinetes, de carácter cantabile. Tras la primera exposición de la orquesta, el piano glosa y adorna el tema con breves filigranas y pequeñas modificaciones. Esa libertad del solista se acrecienta en el desarrollo, con modulaciones, adornos, trinos, diálogos compartidos e imitaciones con la orquesta. La cadencia, se sitúa después de la reexposición, al final del movimiento, y es una fluida fantasía arpegiada sobre los dos temas de la exposición. Con la vuelta al tema inicial, subrayado por los timbales, termina un primer movimiento de una longitud inusitada para la época.

La mayor originalidad del concierto está en el segundo movimiento, el Largo, sorprendente por su tonalidad de Mi mayor, y por su carácter poético y ensoñador. Los acordes del piano enuncian una melodía estática de carácter hímnico. Melodía que irá declamando y variando de diferentes formas como canto en terceras o acompañamiento de acordes arpegiados mientras el canto va pasando de la flauta al fagot, y que se percibe cada vez más íntima e interiorizada. La breve cadencia omite todo virtuosismo para centrarse en ese carácter ensoñador.

El tercer movimiento, Rondó (Allegro), se introduce con un motivo alegre y de carácter popular en compás de 2/4, que nos recuerda al espíritu de los scherzos beethovenianos. Frente al tema del rondó, se intercalan diversos episodios intermedios, algunos muy originales como el pasaje en el que la melodía secundaria la interpretan alternativamente el clarinete y el fagot, acompañados por el piano, o el episodio fugado sobre el motivo del rondó. Al final, tras una breve cadencia pianística, el concierto termina en un triunfal do mayor.

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Escuchemos, confrontemos fragmentos y comentarios oídos o leídos, luego expresemos sin rubor nuestras profanas predilecciones.- ch



 

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Macedonio Fernández, antología mínima

Macedonio Fernández es uno de los preteridos en las relecturas y homenajes que con demoras ensayo en este sitio. Hay mucha crítica inteligente que sigue encontrándole nuevas facetas. Merece ser leído en sus textos, donde el ingenio y la meditación han edificado una originalísima obra. Invito a amigos lectores a revisitarlo, comenzando con esta breve selección.

Macedonio  se casa en 1899, a la edad de 25 años, con Elena de Obieta. Elena muere en 1920. A partir de ese momento Macedonio abandona su profesión de abogado y se dedica a la escritura; no a publicar sino a escribir, a pensar y dejar escritos esos pensamientos, su verdadero legado.
Escribe Carlos García en un estudio publicado en http://www.academia.edu/22596819  que el poema “Elena bellamuerte” podría haber sido “reconstruido” – varios años más tarde del fallecimiento de la esposa de Macedonio – a partir de un texto que comenzaba así:

No eres tú, Muerte, quien por nombre de misterio logre hacer pálida mi mente cual a los cuerpos haces. Nada eres y no la Nada. Amor no te conoce poder y pensamiento no te conoce incógnita. No es poder tuyo azorar la luz demi pensar: aunque de mejillas y rosas caiga el tinte, tributo antiguo a la hacendosa, ingenua Siega, que es el sencillo engaño donde tu simplicidad se com-place. Mortal te veíamos Muerte, y en todo día veíamos más allá de ti…

El poema restaurado y publicado en las Obras completas es el que reproducen las principales antologías como sigue:

Elena bellamuerte

Macedonio Fernández
No eres, Muerte, quien
por nombre de misterio
pueda a mi mente hacer pálida
cual a los cuerpos haces. ¡Si he visto
posar en ti sin sombra el mirar de una niña!
De aquella que te llamó a su partida
y partiendo sin ti, contigo me dejó
sin temer por mí. Quiso decirme
la que por ahínco de amor se hizo engañosa:
«Mírala bien a la llamada y dejada; la Muerte.
Obra de ella no llevo en mí alguna
ni enójela,
su cetro en mí no ha usado,
su paso no me sigue,
ni llevó su palor ni de sus ropas hilos
sino luz de mi primer día,
y las a1zadas vestes
que madre midió en primavera
y en estío ya son cortas;
ni asido a mí llevo dolor
pues ¡mírame! que antes es gozo de niña
que al seguro y ternura
de mirada de madre juega
y por extremar juego y de amor certeza
—ved que así hago contigo, y lo digo a tus lágrimas
a su ojos se oculta.
Segura
de su susto curar con pronta vuelta».
¡Si he visto cómo echaste
la caída de tu vuelo, tan fío,
a posarse al corazón de la amorosa!
Y cuál lo alzaste al pronto. 
de tanta dulzura en cortesía
porque amor la regía,
porque amor defendía
de muerte allí.
¡Oh! Elena, ¡oh! niña
por haber más amor ida,
mi primer conocerte fue tardío
y como sólo de todo amor se aman
quienes jugaron antes de amar
y antes de hora de amor se miraron niños
—Y esto sabías: este grave saber
tu ardiente alma guardaba;
grave pensar de amor todo conoce—
así en ternísimo
invento de pasión quisiste esta partida
porque en tan honda hora
mi mente torpe de varón niña te viera.
Fue tu partir así suave triunfando
como se aquieta ola que vuelve
de la ribera al sena vasto
en tu frente un fin de ola se durmió
por caricia y como en fantasía
de serte compañía
y de mostrar que allí
Ausencia o Sueño pero no muerte había;
que no busca un morir
almohada en otra muerte.
Pero sí sueño en sueño;
niño se aduerme en madre.
Y te dormiste en Inocente victoria.
¿Te dormiste? Palabras no lo dicen.
Fue sólo un dulce querer dormir,
fue sólo un dulce querer partir
pero un ardiente querer atarse
pero un ardiente querer atarme.
¿Dónde te busco alma afanosa
alma ganosa, buscadora alma?
Por donde vaya mi seguimiento
alma sin cansancio seguidora
mi palabra te alcance.
La que se fue entendida
cuál ninguna, entendida en su irse
y su retorno.
Y sí así no es, es porque es mucho más.
Y si así no es, ¡no cortes Hombre mi palabra!
Criatura de poría de amor
que al Tiempo destejió.
Que llamó a sí su primer día
se hizo obedecida a su porfía;
y se envolvió la frente
y embebió su cabeza
y prendió a sus cabellos
la luz de su primer sagrado Día
dócil al sagrado capricho
de hora última de mujer
en el terrenal ejercicio.
Y me decía
su sonreír en hora tan oscura:
“Déjame jugar, sonreír. Es un instante
en que tu ser se azore.
Llevóme de partida tu comprender
me. Voyme entendida,
torpeza de amor de hombre ya no será de ti”.
Niña y maestra de muerte
fingida en santo juego de un único, ardiente destino.
Fingimiento enloquecedor
que por Palabra tuvo
el torrente de las lágrimas corriendo.
Cual cae en seriedad y grave pulsa
pecho de doncella turbado
por cercanía de amor
y pénese en valentía y pensamiento
de la prueba fortísima,
quedó aquél para sólo quien
fue entendida, oculta y mostrárase de nuevo,
la amorosa.
Yo sabía muerte pero aquel partir no.
Muerte es beldad y me quedó aprendida
por juego de niña que a sonreída muerte
echó la cabeza inventora
por ingenios de amor mucho luchada.
¡Oh qué juego de niña quisiste!
Niña del fingido morir
—con más lágrimas visto que el más cierto.
Tanta lucha sudorosa hizo la abrumadora cabeza
cuando la echaste a dormir tu “muerte”
en la almohada
—del Despertar Mañana—
ojos y almas tan dueños del mañana
que sin amargarse en lágrimas
todo lloro movieron.
Tanta certeza en el ser de una niña florecida
secos tuvo sus ojos: todo en torno lloraba—.
Oh niña del Despertar Mañana
‘que en luz de su primer día se hizo oculta
con sumisión de Luz, Tiempo y Muerte
en enamorada diligencia
de servir al sacro fingimiento
del más Hondo capricho en levísimo juego,
de último humano querer de la ya hoy no humana.
Muerte es Beldad
pero muerte entusiasta,
partir sin muerte en luz de un primer día
es Divinidad
Grave y gracioso artificio
de muerte sonreída.
¡Oh cuál juego de niña
lograste Elena, niña vencedora!
Arriba de Dios fingidora
en hora ultima de mujer.
Mi ser perdido en cortesía
de gallardía tanta,
de alma a todo amor alzada.
¿Cuándo será que a todo amor alzado
servido su vivir,
copa de muerte a su vivir servida,
prueba otra vez, la eterna vez del alma,
el mirar de quien hoy sólo el ser de la Espera tiene
cual sólo el ser de un Esperado tengo?

Autobiografía, para Sur (fragmento)

Nací porteño y en un año muy 1874. No entonces enseguida, pero sí apenas después, ya empecé a ser citado por Jorge Luis Borges, con tan poca timidez de encomios que por el terrible riesgo a que se expuso con esta vehemencia comencé a ser yo el autor de lo mejor que él había producido. Fui un talento de facto, por arrollamiento, por usurpación de la obra de él. Qué injusticia, querido Jorge Luis, poeta del “Truco” , de “El general Quiroga va al muere en coche”, verdadero maestro de aquella hora.

***

Mi plan, que quizá nunca realizaré, era hacer la novela de lo que les pasa a dos o tres personas que se reúnen habitualmente a leer otra novela, de tal manera que estas personas que leen la novela se vivifiquen intensamente en la impresión del lector en contraposición con las personas protagonistas de la novela leída.
***
En fin, complemento biográfico: nunca admití dinero por colaboraciones o libros míos, porque no puedo escribir bajo compromiso. Cuando algo tengo escrito soy yo quien pido me lo publiquen. Y de todos modos mis lectores caben en un colectivo y se bajan en la primera esquina.

Adriana Buenos Aires
(ÚLTIMA novela mala)

De los dos géneros de la novela, esta es la “Última Novela del Género de Mala”, como la “Novela de la Eterna y Niña de Dolor, la Dulce –persona de –un– amor que no fue sabido” es la “Primera Novela del Género de Buena”, según ha quedado advertido en prólogos de esta última con más la evidente explicación de por qué se necesitaba antes acertar , y hacer, la última mala.
Prueba dura ha sido: el mayor mérito quizá para el autor, que detenta el secreto de la doctrina de la novela buena, resistir a la incesante tentación de corregir las muchas inocencias artísticas de este relato, las ridículas interjecciones y las frases sentimentales, las casualidades y prodigios del azar, compréndase que para un autor al cual le es tan fácil hacer genial una novela, ello fue verdadera proeza de disciplina.
Estímeseme el trabajo que me ha costado no hacer genial a esta novela. Con razón encontré tantos modestos que alegaron falta de talento suficiente para encargarse. Y por cierto que hacer una novela mala en falso es más difícil que hacer la buena en buena. Y una vez más: que no se las confunda.
En fin, declárome culpable, en mi debilidad por lo muy bueno, de haber destrozado y desechado un precioso de malo Final sangriento y de total ruina que tenía perfectamente construido hasta el punto de que todo el novelar no era más que la preparación adecuada para tal Final, y suplantándolo por el que vais a leer, que es perfecto, pero de perfecta novela, no en género malo, conforme a mi teoría de que la única verdadera tragedia no es el imposible de amor ni la muerte de los amantes sino el descaecimiento de lo que fue amor, el Olvido.
Los buenos lectores de novela mala tendrán que perdonarme el no detonante desenlace. Admito que es un final que no lo oyen ni los vecinos, ni los protagonistas. De todo en el mundo lo verdaderamente trágico es el Olvido, y de éste, lo más desesperante es que no se lo advierte: el gradual insidioso advenimiento de la conformidad. Y los protagonistas no saben que son muertos.

Museo de la novela de la eterna

Prólogo a la eternidad  – Todo se ha escrito, todo se ha dicho, todo se ha hecho, oyó Dios que le decían, y aún no había creado el mundo, todavía no había nada. También eso ya me lo han dicho, repuso quizá desde la vieja, hendida Nada. Y comenzó. Una frase de música del pueblo me cantó una rumana, y luego la he hallado diez veces en distintas obras y autores de los últimos cuatrocientos años. Es indudable que las cosas no comienzan; o no comienzan cuando se las inventa. O el mundo fue inventado antiguo.
La tentativa estética presente es una provocación a la escuela realista, un programa total de desacreditamiento de la verdad o realidad de lo que cuenta la novela, y sólo la sujeción a la verdad de Arte, intrínseca, incondicionada, autoautenticada…  Hay un lector con el cual no puedo concillarme: el que quiere lo que han codiciado para su descrédito todos los novelistas, lo que le dan éstos a ese lector: la Alucinación. Yo quiero que el lector sepa siempre que está leyendo una novela y no viendo un vivir, no presenciando “vida”. En el momento en que el lector caiga en la Alucinación, ignominia del Arte, yo he perdido, no ganado lector. Lo que yo quiero es muy otra cosa, es ganarlo a él de personaje, es decir, que por un instante crea él mismo no vivir. Esta es la emoción que me debe agradecer y que nadie pensó procurarle.
Yo creo parecerme mucho a Poe, aunque recién comienzo a imitarlo algo; yo creo ser Poe otra vez. Y es extraordinario que como autor y como figura, un poeta peruano, Mario Chabes, hallara el parecido. No es un parecido, es .. ¡quién sabe! .. una reaparición. En el poema “Elena Bellamuerte” me sentía Poe en el sentimiento y sin embargo el texto creo que no muestra semejanza literaria.
Lo que no quiero y veinte veces he acudido a evitarlo en mis páginas, es que el personaje parezca vivir, y esto ocurre cada vez que en el ánimo del lector hay alucinación de realidad del suceso: la verdad de vida, la copia de vida, es mi abominación, y ciertamente, ¿no es lo genuino del fracaso de arte, la mayor, quizá la única frustración, abortación, que un personaje parezca vivir? Yo consiento que ellos quieran vivir, que intenten y codicien la vida, pero no que parezcan  vivir, en el sentido de que los sucesos parezcan reales; abomino de todo realismo. Fantasía constante quise para mis páginas, y ante lo difícil que es evitar la alucinación de realidad, mácula del arte, he creado el único personaje hasta hoy nacido cuya consistente fantasía es garantía de firme irrealidad en esta novela indegradable a real: el personaje que no figura, cuya existencia en la novela lo hace fantástico respecto de la novela misma, como el mundo, el ser, nos parece real porque hay ensueños. A él le encomiendo salvar la fantasía aquí, si todo falla; al Viajero que en la misma vida quizá no existió nunca, pues no creo en los Viajeros; los dos sentimientos que definen al Viajero de calidad son la facultad y deseo de olvidar y el deseo de ser olvidado. El magnífico Olvidador, completado con esta última facultad de indiferencia a ser olvidado y aun la valentía y soberbia de querer que la imagen de él muera en la mente de los otros, muerte más temida que la personal, quizá porque todos sentimos que no hay la muerte personal. La muerte que hay en los olvidos es la que nos ha llevado al error de creer en la muerte personal. Pero esta creencia es débilísima, por eso hacemos mucho más por no ser olvidados que por no morir.
…Espero que la falta del personaje Cocinera no hará temer que yo deje sin comer a todos los personajes del principio al fin, lo que sólo vendría bien a la silueta del elegante Quizagenio. Arreglé la dificultad, mas ahora no recuerdo cómo. 119 Se me ha olvidado porque yo tenía por ahí también algo que se podía enfriar: alimento o cosa del espíritu, no sé bien, o podía derramarse: un entusiasmo quizá o una claridad en el misterio, una media frase que podía darme la transparencia de las cosas, la percepción mística: quizá algo más alto: un último gesto de ayer de la Eterna, una sublimidad nueva de su ternura, un sonreír de su tristeza o de gratitud al presente y escalofrío del futuro, de lo que lo concluye; y yo no quería, al traerme a mi soledad esa imagen de un plegarse de su faz, cesar de mirarla en el recuerdo, reaparecérmela en la memoria, como quien a una agua quieta arroja una y otra vezTía piedrecita que hace jugar en ella relieves de círculo y luces de reflejos.
…Lo dejo libro abierto: será acaso el primer “libro abierto” en la historia literaria, es decir que el autor, deseando que fuera mejor o siquiera bueno, y convencido de que por su destrozada estructura es una temeraria torpeza con el lector, pero también de que es rico en sugestiones, deja autorizado a todo escritor futuro de impulso y circunstancias que favorezcan un intenso trabajo, para corregirlo y editarlo libremente, con o sin mención de mi obra y nombre. No será poco el  trabajo. Suprima, enmiende, cambie, pero, si acaso, que algo quede. En esta oportunidad insisto en que la verdadera ejecución de mi teoría novelística sólo podría cumplirse escribiendo la novela de varias personas que se juntan para leer otra, de manera que ellas, lectores-personajes, lectores de la otra novela personajes de ésta, se perfilaran incesantemente como personas existentes, no “personajes”, por contrachoque con las figuras e imágenes de la novela por ellos mismos leída. Tal trama de personajes leídos y leyentes con personajes solo leídos, desarrollada sistemáticamente cumpliría una uniforme constante exigencia de la doctrina. Trama de doble novela.

Nota Epílogo :

Al lector salteado me acojo. He aquí que leíste toda mi novela sin saberlo, te tornaste lector seguido e insabido al contártelo todo dispersamente y antes de a novela. El lector salteado es el más expuesto conmigo a leer seguido.
Te dedico mi novela, Lector Salteado; me agradecerás una sensación nueva: el leer seguido. Al contrario, el lector seguido tendrá la sensación de una nueva manera de saltear: la de seguir al autor que salta.Quise distraerte, no quise corregirte, porque al contrario eres el lector sabio, pues que practicas el entreleer que es lo que más fuerte impresión labra, conforme a mi teoría de que los personajes y los sucesos sólo insinuados, hábilmente truncos, son los que más quedan en la memoria.
Hay que ser un hombre que hizo algo más de bien que de mal. Como escritor hay que cumplir su misión con un poquito más de tiempo perdido en escribir que el que se pierde en leernos; le es obligado al escritor la delicadeza de no salir ganancioso.
*
Principio de novela. Cuando me enfrenté con la puerta de par en par abierta, comprendí que alguien tuvo un olvido de llaves y con presentimiento de crimen y sabia experiencia de que lo más hostil es una puerta inesperadamente abierta, aquélla me fue infranqueable y volvime.
*
Hay muchos viajes que son mejores que el llegar a puerto, y hay hoy tantas frecuencias del “llegar tarde” a 300 kilómetros por hora, como caminando hace dos siglos. Sólo es Viajero, el Gran Viajero, el que piensa sin llegadas su Viaje.

No a todo alcanza Amor, pues que no puedo 
romper el gajo con que Muerte toca. 
Mas poco Muerte puede 
si en corazón de Amor su miedo muere. 
Mas poco Muerte puede, pues no puede 
entrar su miedo en pecho donde Amor. 
Que Muerte rige a Vida; Amor a Muerte.

Macedonio Fernández

Comentario a Adriana Buenos Aires (última novela mala) de Macedonio Fernándezhttp://encuatroparrafos.blogspot.com/2014/04/comentario-adriana-buenos-aires-ultima.html


 

Mary Shelley : donde confluyen poesía, ficción macabra y emancipación

Retratos de Mary Shelley
Asignar a los precedentes históricos eficacia causal sobre desplazamientos culturales que hoy acontecen,  suele sumirnos en la mera conjetura idealista o el prejuicio ideológico. La curiosidad gusta escudriñar lo pasado siquiera para airear el propio entendimiento y aun reforzar la adhesión de los ya convencidos. Sin embargo, un antecedente es a menudo persuasivo a los fines de la argumentación falaz, puesta  a tejer tapices metaempíricos mediante el recurso a la arqueología.
A este género de especulación tiende esta vez el evocar la figura de la escritora británica Mary Wollstonecraft Shelley , hija del pensador político William Godwin, nacida en 1797 y fallecida en Londres en 1851,  autora de la novela Frankenstein o el moderno Prometeo (1818), y también famosa como editora de las obras de su esposo, el poeta romántico Shelley. Fue su madre la filósofa feminista Mary Wollstonecraft.  
Mary Godwin inició una relación sentimental con uno de los adeptos políticos de su padre, el poeta  Percy Bysshe Shelley, quien ya estaba casado. Los dos, junto con la hermanastra de Mary, Claire, vivieron en Francia y viajaron por Europa. A su regreso a Inglaterra, Mary estaba embarazada. ​ Durante los siguientes dos años ella y Percy se enfrentaron al ostracismo social, a las deudas constantes y a la desgracia del fallecimiento de su hija, nacida prematuramente. Se casaron a finales de 1816, tras el suicidio de la primera esposa de Percy Shelley, Harriet.
En 1816, la pareja pasó un verano con George Gordon (Lord) ByronJohn William Polidori y Claire Clairmont cerca de GinebraSuiza, donde Mary concibió la idea para su novela Frankenstein. Los Shelley abandonaron Gran Bretaña en 1818 y se mudaron a Italia, donde su segundo y su tercer hijo murieron antes de que Mary diese a luz a su último vástago.​ En 1822, su esposo Percy Bysshe Shelley se ahogó al hundirse su velero, durante una tormenta en la Bahía de La Spezia. Un año después, Mary Shelley regresó a Inglaterra y desde entonces se dedicó a la educación de su hijo y a su carrera como escritora profesional.

Mary creció y se educó en un ambiente intelectual y progresista que marcó fuertemente su personalidad.  “Nunca voy a casarme”, había escrito su madre, autora de “Una reivindicación de los Derechos de la Mujer”, cuando tenía veintiún años. “El matrimonio: una forma de monopolio, el peor”, escribió su padre, autor de “Ensayo sobre los sepulcros”.
Desde su ventana, lo que Mary Shelley veía esencialmente eran tumbas y cadáveres. Su vida estuvo asociada a los cementerios desde la infancia. El tiempo en que vivió fue el de los ladrones de tumbas, que trabajaban clandestinamente para proveer de cuerpos a médicos y anatomistas. Esto, antes de 1832, cuando se sancionó el Acta de Anatomía, que entregaba a la Medicina los cuerpos de indigentes o muertos en asilo que nadie reclamaba. Los cementerios se poblaran de deudos que hacían guardia alrededor de las tumbas de sus seres queridos, ante el temor de que ellas fueran profanadas.
Desde su ventana, Mary podía ver los carros clandestinos que trasladaban cadáveres. Muchas veces estaban envueltos en bolsas o en cajas con falsas leyendas, como “piano”. Iban desnudos, pues trasladarlos con mortaja sí constituía delito de robo. La prenda para la morada última era un elemento material que correspondía a la familia, pero el cuerpo de una persona muerta a nadie pertenecía. El cadáver no es susceptible de ser objeto del derecho de propiedad.
Frankenstein es la clásica historia de la era de profanación de cuerpos. También, es un relato de ficción sobre la legislación que acabó con ella. Con la Ley de Anatomía, nació la cara monstruosa de la cultura utilitaria de Inglaterra de mediados de la era victoriana. Lo supo en 1822, a los 25 años, cuando acababa de quedar viuda, y decidió conservar el corazón de su marido, el escritor y poeta romántico Percy B. Shelley.
Hacía cuatro años que había escrito Frankenstein, que llegaba a la tercera edición, y por la que más tarde iba a ser considerada como la autora de una historia macabra. Envuelto en la página de un poema, Mary Shelley trasladó el corazón de su esposo en sus sucesivos viajes y mudanzas a modo de reliquia, durante un cuarto de siglo, hasta su muerte. Ese detalle resume la naturaleza romántica de su ser y escritura, muy lejos de la lobreguez que signó su vida privada y su vida como escritora.
En su novela, Mary Shelley se refiere a “terribles actividades” nocturnas del doctor Frankenstein, cuyo afán investigativo lo lleva a  trabajar a Inglaterra en la temporada de exhumación de cadáveres. El doctor, quiere entender la vida. Para hacerlo, debe ponerse, literalmente, en contacto con los muertos. En la novela de Mary Shelley, el médico habla, de hecho, con un muerto que está “construido” con piezas seccionadas de cadáveres.

el Dr Frankenstein y su criatura 

Como  homenaje,  Citas extraídas de obras de Mary Shelley  y una “Stanza” de sus poemas: >No deseo que las mujeres tengan más poder que los hombres, sino que tengan más poder sobre sí mismas.    >Toda política llevada al extremo debe ser producida con maldad.

Stanza [“Oh, come to me in dreams, my love!”]

       MARY WOLLSTONECRAFT SHELLEY
Oh, come to me in dreams, my love! 
I will not ask a dearer bliss; 
Come with the starry beams, my love, 
And press mine eyelids with thy kiss. 
’Twas thus, as ancient fables tell, 
Love visited a Grecian maid, 
Till she disturbed the sacred spell, 
And woke to find her hopes betrayed. 
But gentle sleep shall veil my sight, 
And Psyche’s lamp shall darkling be, 
When, in the visions of the night, 
Thou dost renew thy vows to me. 
Then come to me in dreams, my love, 
I will not ask a dearer bliss; 
Come with the starry beams, my love, 
And press mine eyelids with thy kiss. 

-o-o-

Muy posterior al relato de  Frankenstein  es la novela “DRÁCULA”  del escritor irlandés  Abraham Stoker (1847-1912). Aunque el mítico personaje del Conde Drácula creado por Bram Stoker es conocido en todo el mundo desde hace bastantes décadas, ello se debe en gran parte a toda la filmografía asociada al mismo, la cual ha engrandecido esta figura hasta hacerla inolvidable, dándole el cartel de “mito”.

El argumento de la novela trata de las maquinaciones del Conde para perpetuarse en el tiempo alimentándose con la sangre de sus víctimas. En un alarde de auténtico modernismo para la época, Bram Stoker no sólo lleva a su último extremo la novela epistolar, sino que además altera por completo las estructuras narrativas clásicas, empleando diferentes tipos de medios y lenguajes, rompiendo la cronología, prescindiendo absolutamente de un narrador omnisciente que revele la auténtica naturaleza de los hechos, e incluso introduciendo un inusitado juego metalingüístico, ya que los protagonistas no sólo son autores de los documentos que conforman la novela, sino que la transcriben y la ordenan, permitiendo asistir al propio lector al proceso de construcción de la misma.

-o-

Pero la presente nota tenía por objetivo un fin mucho más modesto que el de confrontar dos magníficos relatos de “terror”. De una parte evoco aquí lecturas y filmes frecuentados en la niñez y la adolescencia. Más importante, empero, es el homenaje a mujeres como Mary Shelley y su madre, cuyo ámbito de acción y conciencia libertaria les permitieron – aun al costo de extremos sufrimientos – luchar por los derechos personales que habían entendido corresponderles.

ch – nov. 2018


 

Julio Bepré : poeta de hoy y siempre

Bepré foto

Nota en blog kalais  https://reyaller.wordpress.com/2016/10/13/mas-poemas-de-julio-bepre

Nota sobre “Brevetramas” https://reyaller.wordpress.com/2014/01/17/brevetramas-por-julio-bepre

las voces que somos http://lvqs.blogspot.com/2012/01/julio-bepre.html

fuente incopiable https://poetassigloveintiuno.blogspot.com/2011/09/4819-julio-bepre.html

Poema recitado “Paradoja”  https://www.youtube.com/watch?v=zCe8YquiMnQ

Una mínima poética

Roger Mounier afirma que vivimos un tiempo de rotundo desplazamiento hacia la imagen, con una resistencia ostensible hacia la palabra escrita. Esto es consecuencia de la masificación y el consumismo a que nos ha llevado la exacerbación de los valores exclusivamente materiales. Pero además existe un grave fenómeno de incomunicación: nos conducimos como si fuéramos islas: cada ser debe intentar trabajosamente la relación con su semejante, adhiriéndose a un estereotipado y languidecente lenguaje, que las más de las veces sólo le ofrece fracasos. Es verdadero aquello de que las sociedades de este siglo constituyen “multitudes solitarias”.
La poesía es, inversamente, un alto llamado al despliegue de lo espiritual, correspondiéndoles a los poetas proceder con urgencia a vincular trascendentemente a los hombres. La poesía, merced a la creación del poeta, debe extender y profundizar el poder del Amor.
Es preciso también comprender que el problema del poeta no está acotado sólo en el decir, sino que debe intentar llegar adonde las mismas palabras no pueden arribar, conforme lo destacaba Eugenio Montale. Todo arte -y la poesía más que ninguno- es una tentativa para entrever el misterio y ultimidad de lo existente, mas nunca se logrará la aprehensión completa del valor intuido.
Mis propuestas han surgido de una honesta y ardua necesidad de captar el lirismo inserto en la realidad; de allí en adelante, me sentiría sobradamente justificado si alguna vez una línea escrita por mi mano pudiera conmover por un segundo a alguien. Después de eso ¿qué puede importar todo el olvido que arrima fatalmente el tiempo?
DATOS BIOBIBLIOGRÁFICOS
Julio Bepré nació en Córdoba (Argentina) en 1940. Residió en distintas ciudades del país, radicándose finalmente en Buenos Aires. Es abogado y ha enseñado literatura y derecho.
Libros publicados
  • Año del inicio (1972) que integró con otros textos
  • El día y la advertencia (Francisco Colombo, 1974)
  • Rastro de la proximidad (Corregidor, 1981)
  • Ráfaga o sueño (Fundación Argentina para la Poesía, 1984)
  • Persistencia (Alción, Córdoba, 1985)
  • Nacer del olvido (Empresa Poética, 1988)
  • Demora en el mundo (Alción, 1990)
  • Antología breve (Correo Latino,1991)
  • El mar es una sed (Argos, Córdoba, 1993)
  • Palabra de mi boca, que mereció una distinción en el Concurso Luis Jose de Tejeda 1993, organizado por la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Córdoba con publicación de la obra
  • No hay día sin noche (Argos, 1996).
Tiene inéditos otros poemarios y ha integrado distintas antologías.
Ensayos
Ha publicado ensayos y estudios críticos en publicaciones del país y del extranjero.
Traducciones
Tradujo a poetas italianos de este siglo y fue, a su vez, traducido al italiano.
Membresía
Es Secretario General de la Fundación Argentina para la Poesía, dirigiendo las publicaciones de dicha entidad.

Bepré Julio 2018

               P A R A D O J A

  Para escapar te espero

  pues eres como algo

que siempre se ha temido

y llama desde el borde

hiriente de una tarde.

Mas tu paso

               prosigue

avecinándote.

Encontrarás de pronto

mis ojos desvelados

en esta esquina fría.

Y también otras suertes:

una lejano voz,

el juego de los niños;

quizá una hoja seca

remecida en la calle.

Mas ahora tu paso

con el mío se junta.

Para esperarte entonces

he debido alejarme. 

 

DUDA RESUELTA

 Negra es la duda que me ciñó hasta ahora

pero todo es intenso en este otoño gualdo

porque puede llegar jadeando hasta estos años

haciendo mil preguntas por distintas razones.

 

Hoy en mi sangre cunde una memoria inquieta

y una dispar imagen se arrima en cuanto miro.

establecí además con sorprendente calma

el motivo que impulsa los días y las noches.

 

Ahora puedo hablarme sin mayor pesadumbre

aunque poco sustenta mis pobres conclusiones.

Sólo creo que hay luz a la par de la sombra

porque al final regresas y tus ojos me miran.

 No importa si me fui o estoy ya muerto.

Bepré Andante immoderato

Escuchar es saber

Escuchar es saber que con alguien dialogo.

¿Adónde vas entonces con tanta absurda prisa?

Algunos ya te vieron y un gallardo querube

aguarda con paciencia a unos pocos metros.

(La vida se me escapa como el instante al día

y he sufrido hasta hoy el peso de mi sombra).

Tierra o luna

Alguna vez me iré de aquí 
y esto no afirma el deseo necio 
de truncar la vida. 
  
Hablo de las tantas posibles 
salidas de este mundo. 
  
¿Acaso no se puede alguna vez llegar 
a un lugar compañero del ansia 
aunque haya sido apenas entrevisto? 
  
¿Es acaso imperioso fijar límites, 
áreas, confines, países o memorias? 
  
Tierra y luna no son igual exilo: 
tiene aquella nombres y lugares 
donde alguien vive y sufre y enaltece 
y otro meramente pisa. 
  
Por eso arribaré a la luna 
en un tiempo contiguo al horizonte 
y en ella viviré con mi silencio. 
  
Volveré a la tierra cuando 
la luna quede a oscuras.

 

(posteado el 22 de octubre de 2018) – ch

 

Lady Gaga: el crecimiento de una estrella

Miremos  cómo “crece” esta estrella: Lady Gaga, voz, figura, intérprete actoral. (Aun no hace mucho, cantaba así con Tony Bennett https://www.youtube.com/watch?v=ZPAmDULCVrU )

Un millón de razones – Lady Gaga ante público y varios ex-presidentes USA

Lady Gaga – Biennale di venezia – agosto 2018

Lady Gaga – Film Nace una Estrella – una crítica 

(ruego a mis lectores más versados en el tema, aportar comentarios sobre el film)

Artikel aus Süddeutsche Zeitung, München, 6. August 2018

Von Susan Vahabzadeh

Man unterstellt Stars ja gerne, sie hätten in jedweder Situation und Umgebung raumgreifende Präsenz. In Wirklichkeit stimmt das selten. Als der SchauspielerBradley Cooper bei den Filmfestspielen in Venedig im vergangenen Monat sein Regiedebüt “A Star Is Born” vorstellte, mit sich selbst als traurigem, alterndem Rockstar und Lady Gaga als Newcomerin, in die er sich verliebt und die ihm bald das Rampenlicht verschattet, luden die beiden zum Interview in den Biennale-Palast am Canal Grande.

Da saßen sie in einem kleinen Nebenraum auf dem Sofa und sahen gar nicht besonders glamourös aus. Sie wirkten eher wie zwei Menschen, die gemeinsam einen Nachmittag im Café verbringen und einen Dritten freundlich dazu bitten, obwohl sie sich einander auch so genug wären. Sie seien im Verlauf der Arbeit, sagt Lady Gaga, “richtig gute Freunde geworden”.

Kino Welche Filme sich lohnen und welche nicht
Die Chemie, welche die beiden im Film entwickeln, hält auch jenseits der Leinwand stand. Sie spielen ein Liebespaar, eines, von dem Hollywood nicht lassen kann. “A Star Is Born” ist ein Remake, Cooper spielt Jackson Maine, der in einer versoffenen Nacht nach einem Konzert eine junge Sängerin hört, Ally, die einzige Frau, die in einer Transenbar ans Mikro darf. Erst ist er nur beeindruckt, aber gegen Morgen hat er sich so gründlich in sie verliebt, dass er eine Weile das Trinken vergisst. Bis sie dann den Duetten auf seinen Konzerten entwachsen ist und zu einem ganz großen Popstar wird, mit einer Musik, die ihm nicht einmal gefällt. Das ist dann ein wenig eigenartig im Film, dass es einem so vorkommt, als sei doch der gute alte Rock, den Jackson Maine macht, das größere Gut als die Lady-Gaga-artigen Popsongs, mit denen Ally ihren Durchbruch feiert. Für Cooper ist es aber vor allem wichtig, dass Jacksons Musik einfach nicht die ist, die Ally interessiert.

“Die schönste Stimme nützt einem nichts, wenn man kein Geschichtenerzähler ist”

Es ist nicht ganz einfach, so viel Standhaftigkeit in die Filmfigur hineinzulesen, die er da für Lady Gaga geschaffen hat.

Bradley Cooper sieht in Fleisch und Blut so aus wie Bradley Cooper. Lady Gaga sieht aber nicht aus wie Lady Gaga. Sie ist heute in Zivil, ganz unauffällig, und dazu passt es, dass sie erst einmal aufsteht, ungefragt Küsschen gibt und haucht: “Nennen Sie mich Stefani!” Es wird dann übrigens klar, was es mit den mörderischen Plateau-Absätzen auf sich hatte, auf denen sie berühmt wurde: Stefani Germanotta ist sehr, sehr klein. Und sie benimmt sich ein wenig wie Ally in “A Star Is Born”. Sie ist sehr darauf bedacht, ihren Regisseur und Co-Star Cooper nicht außen vor zu lassen, und bei fast jeder Antwort, die den Film betrifft, dreht sie den Kopf erst einmal zu ihm.

Sie hätte also auch Schauspielerin werden können, das muss man ihr zugestehen, wenn man den Film gesehen hat. Es gibt sogar schon erste Oscar-Gerüchte um ihren Auftritt als Ally. Aber hätte Bradley Cooper, der im Film als Jackson Maine selber singt, es auch als Rockstar geschafft? “Bestimmt!”, behauptet Lady Gaga. “Er ist ja ein Geschichtenerzähler. Die schönste Stimme nützt einem nichts, wenn man kein Geschichtenerzähler ist.”

Und dann fügt sie hinzu: “Er hat natürlich auch eine sehr schöne Stimme!” Man könnte fast meinen, sie habe die Rolle der Ally noch nicht ganz abgelegt, denn die Frau auf dem Sofa benimmt sich so wie die Frau im Film: furchtbar lieb und Expertin für unterstützende Kommunikation unter besonderer Rücksichtnahme auf männliche Mitmenschen. Ob das nun Stefani Germanotta ist? Oder nur eine Rolle? Denn Lady Gaga war und ist sicherlich auch genau das – eine Rolle. Wie ist das also, verschwindet Lady Gaga langsam hinter Stefani?

Die Machos vom Lido

Die Filmfestspiele von Venedig haben Hollywood auf ihrer Seite – mehr Stars bekommt man derzeit bei keinem anderen Festival. Leider bleibt der Wettbewerb weiterhin Männersache. Kann das gutgehen? Von Susan Vahabzadeh mehr …

Man kann an diesen Verfilmungen gut nachvollziehen, wie sich die Zeiten geändert haben, aber dass sich das Verhältnis zwischen Männern und Frauen in manchen Punkten nur sehr langsam wandelt, wenn es um die Verteilung des Erfolgs geht. Gemessen an Barbra Streisands Auftritt ist der von Lady Gaga im Film allerdings sehr verhalten und nuanciert, Streisand hat unsicher und schüchtern nicht im Repertoire. Aber letztlich weiß auch Ally dann doch ganz genau, wo sie musikalisch hinwill.

Hollywood ist noch nicht so weit, die Mann-Frau-Konstellation einmal umzudrehen

War es ein Thema bei der Vorbereitung des Films, ob Ally zeitgemäß ist? Es ging ihm, sagt Cooper ausweichend, “vor allem um Authentizität”. Am neuen Drehbuch hat Cooper dann auch selbst mitgeschrieben: “Ich kann mir nicht vorstellen, dass ich bei etwas Regie führen könnte, ohne es selbst geschrieben zu haben”, sagt er. “Ich hatte vorher nie den Mut, selbst Regie zu führen, obwohl ich das schon als Kind wollte. Ich blieb als Schauspieler immer am Set, auch wenn ich gar nicht dran war. Es sollte eine Liebesgeschichte sein, weil jeder mal an Liebeskummer gelitten hat, das ist als Thema ziemlich universal, oder?” Eine Romanze, die aus professionellem Respekt entsteht, ist zumindest im Kino eher eine Rarität; so aber begegnen sich Jackson und Ally. “Das ist wichtig für den Ausgangspunkt des Films: Was passiert, wenn zwei Menschen sich aus tiefster Seele ineinander verlieben, mit größtem Respekt füreinander? Sie haben trotzdem Probleme”, sagt Cooper.

Auch da gleichen die beiden auf dem Sofa dem Filmpaar. Cooper hat auf Lady Gaga gesetzt, die außer ein paar kleineren Auftritten keine Schauspielerfahrung hat. Kein Vorsprechen. “Ich sah ihr in die Augen und konnte bis in ihre Seele sehen. Das war’s”, sagt Cooper. “Ich liebe Menschen, und Gott sei Dank bin ich im Filmgeschäft gelandet, denn Kino lebt von Zusammenarbeit. Gesichter, Augen, Energie – das ist alles; und die Kamera fängt das ein.”

Sie hat ihre Sache im Film hervorragend gemacht. Er kann nicht gewusst haben, dass sie das kann, aber er hat auf jeden Fall an sie geglaubt. So richtig zeitgemäß ist das Geschlechterverhältnis in Coopers Fassung dann aber doch nicht. Dem steht vor allem die Selbstverständlichkeit im Weg, mit der Jackson Maine im Selbstmitleid badet, weil sich Ally nur über seine Gefühle hinwegsetzt. Er kann nicht die zweite Geige spielen, das Abgetakeltwerden ist ganz großes Melodram, und so versinkt der letzte Akt des Films im Schmalz.

Es wäre vielleicht ganz interessant gewesen, diesen Film einmal ganz andersherum aufzuziehen: mit einem Mann in der Rolle des Newcomers, und einer Frau, die älter ist als er und sich schwer damit tut zurückzustecken. Es ist schon klar, warum auch Nummer vier noch nicht so weit ist, eine solche Modernisierung der Geschichte auszuhalten. Zu groß wäre die Angst, eine solche Figur würde beim Publikum nicht gut ankommen; man würde einer Frau den Egoismus, der Mr. Maine seit 1934 auszeichnet, nicht durchgehen lassen. Im richtigen Leben nur ungern, im Kino aber, wo das Publikum die Figuren lieben muss, auf keinen Fall. Ein bisschen ist es auch so mit Stefani Germanotta, die ganz damenhaft und zart auf dem Sofa sitzt und lächelt wie tausend Sonnen. Sie wirkt liebenswerter als die Platin-Blondine in schwarzem Latex von vor zehn Jahren, und wärmer; und selbst, wenn man ihr wünscht, dass sie ihre Karriere eisern im Griff behält – sympathisch ist es doch.

La obra de arte autodestructiva

Una obra de arte de Banksy se ha autodestruido. El daño del comprador podría no ser muy cuantioso, y también la casa de subastas ganó.
(fuente FAZ 8.10.2018 – foto dpa)

El viernes pasado, 5.10.2018, la obra de arte de un artista muy reconocido fue destruida por la trituradora o desfibradora ante todo el mundo, y en una casa de subastas. En el momento en que Sotheby’s en Londres remató por el equivalente de aproximadamente 1,2 millones de euros  la pintura en aerosol  de estilo británico “Girl with Balloon” de Banksy, una trituradora escondida en el poderoso marco dorado de estilo neobarroco fue puesto en marcha. : en la parte inferior del cuadro, la imagen de la niña mira  volando el globo del corazón rojo, cortado en tiras muy delgadas.
El artista, que instaló él mismo el mecanismo de destrucción y lo activó ante la audiencia de la subasta mediante el control remoto, al segundo golpe de martillo, como lo había anunciado en un video publicado y ahora eliminado, despierta con esta acción dos asociaciones poderosas: por un lado, mensajes de imágenes  que se aniquilan de inmediato apenas aparecidas. En segundo lugar, la autodestrucción pública de imágenes por los propios artistas, que es un lugar común de antigua data. Con semejante iconoclasia, los artistas quieren testificar su falta de disponibilidad para la explotación mercantil. Entre otras cosas, esto se demuestra por el hecho de que los comentarios irónicos de Banksy sobre esta espectacular fiebre destructora: “¡Primero, segundo, tercero, desaparecido / vendido!” – recibieron una gran cantidad de reacciones entusiastas de otros artistas, quienes lo celebran  tomando la retirada del mercado del arte como una “genialidad”.

El cuadro antes de su “autodestrucción”
No es tan simple: según Sotheby’s, se dice que el propio artista vendió la imagen al consignador en 2006, en el marco de oro monstruosamente cursi, solo irónicamente comprensible. Sotheby’s no quiere tener sospechosos de una mecánica oculta. Incluso con la información técnica, el lado oficial de Sotheby’s habría tenido que hacer que su enorme profundidad de 18 centímetros fuera sorprendente; incluso para esas acrobacias neobarrocas de enmarcar esto sería claramente demasiado. Ciertamente parece plausible que antes de la subasta no debe ser observado en los estudios de restauración meticulosa de las obras que una trituradora completa está oculta en el marco. Un pícaro que piense que una subasta de este tipo le dará a Frieze una atención asequible para una casa de subastas durante la feria de arte inglesa más importante. Se puede apostar a que el nuevo propietario no solo mantiene orgulloso la imagen de la trituradora, sino que  obtendría en una futura subasta un múltiplo del precio minorista actual.-

Carmen Mondragón/ Nahui –Olin. Atalaya del feminismo (1893-1978)

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La cruzada del actual movimiento feminista ha aprendido a ocupar espacios públicos y a empuñar palancas de mando. Viene precedida de un lento esmerilamiento del poder masculino y el ocasional estallido de rebeldías individuales. Estas últimas, con réplicas y altavoces en el plano ideológico, continúan eficaces como “propaganda por la acción” o por la resistencia. A veces, cuando el hecho retador fracasa,  asumen la tragicidad de la autoinmolación ejemplarizadora. Este es el caso de Soledad Rosas. Otras prefirieron morir en el combate callejero o ejecutadas tras un juicio sumario. Pocas tuvieron la constancia de reincidir tras el confinamiento en Nueva Caledonia: Louise Michel. A muy pocas les fue otorgado el sino de sostener con el cuerpo, el fervor y la misión artística un estilo de vida libertario que ha sido simultáneamente,  en partes variables, fugaz y exitoso. En América citaríamos como ejemplos a Frida Kahlo y a María del Carmen Mondragón, apodada “Nahui-Ollin”.

Alguna vez pareció que Nahui-Olin tendría la vida perdurable del mito al mismo nivel de Frida Kahlo, Antonieta Rivas Mercado o Tina Modotti. Los elementos estaban allí y sin embargo nada de esto ocurrió. Un misterio más entre los muchos que rodean a esta fascinante mujer, quizá más trágica aun que sus contemporáneas. A ellas está ligada por varios vínculos: fue la única modelo a la que Diego Rivera pintó a lo largo de treinta años, la amiga de Tina retratada varias veces por Edward Weston, la esposa de Manuel Rodríguez Lozano, el gran amor de Antonieta.

Nahui-Olin-Carmen-Mondragón-1925.jpg

Nacida en el seno de una familia porfiriana, hija del General Manuel Mondragón, destacado militar mexicano y uno de los protagonistas del golpe a Madero durante la Decena Trágica, pasó parte de su juventud en Francia y gozó de una educación privilegiada. Escribió, pintó, dibujó, tocó el piano, compuso y modeló, publicando varios libros entre los que destacan Óptica cerebral. Poemas dinámicos (1922), Câlinement je suis dedans (1923),  À dix ans sur mon pupitre (1924), Nahui-Olin (1927) y Energía cósmica (1937), los cuales nunca fueron reimpresos o reeditados, y dejando dos libros inéditos, Una molécula de amor Totalidad sexual del cosmos, escritos entre 1924 y 1927.
Su libro À dix ans sur mon pupitre, se compone de textos que escribió con no más de diez años de edad en sus cuadernos escolares y es sin duda uno de los trabajos que demuestran su precoz sensibilidad y capacidad literaria. En Energía cósmica se ven aplicados sus conocimientos sobre los descubrimientos científicos de su época y el impacto de los mismos sobre  su propia interpretación del mundo de los sentimientos y las ideas. Con ello crea un puente entre ambas dimensiones y refleja su gran interés por el campo de la ciencia. Con óptica de lega y reflejos de un cierto panenteísmo místico finisecular en boga antes de terminar el siglo XIX, escribe sobre la relatividad –reciente teoría de Albert Einstein–, la materia, la energía, el movimiento, la radiactividad, las matemáticas, el tiempo, el espacio, el infinito, el cosmos, la vida y la muerte.

Su pintura –clasificable como art naïf– retrató a sus gatos, a su padre, a sus amigos y escenas del México de su tiempo como salones de baile, mercados y pulquerías, sugiere una crítica a las costumbres patriarcales de su tiempo. Fue además una de las primeras mexicanas en hacerse autorretratos, especialmente escenas de encuentros amorosos y sexuales. Fue también modelo de varios artistas como Rivera, y Dr. Atl, y otros pintores y fotógrafos como Antonio Garduño, Roberto Montenegro, Jean Charlot y Edward Weston.

El erotismo que inunda su poesía, su prosa y su pintura, provenía de una fuerza vital interior, un flujo activo que corría libremente, impregnándolo todo con el roce de sus manos. Fue esto lo que le ganó la fama de “loca” con la que gozó toda su vida, pues, mientras muchas otras artistas tuvieron que contener su sexualidad para ganarse la atención de quienes escriben la historia y un lugar en el escenario artístico de su época, Nahui-Olin (apodo que le adosó el Dr Atl) no solamente la aceptó, sino que la exhibió pletóricamente a lo largo de su vida y su obra y la convirtió en algo propio, en algo natural y femenino. Pulsión de vida que inunda su pintura y su poesía. Nahui no era solamente objeto de deseo, era la personificación del deseo mismo.

 “Nahui se asume sexualmente en un país de timoratos y de hipocritones. Su gusto por los hombres no la avergüenza, al contrario, su tez blanca, sus inmensos, inquietantes ojos verdiazul, sus caireles la hacen parecer un ángel prestado a la tierra. Es una hada, es champagne espumante, es un Botticelli oloroso a nardos, a jazmines, a azucenas. En realidad, tras la apariencia sobrenatural acecha una corriente magnética, la descarga de un pelotón de fusileros, la luz de cien faroles de una noche de ronda.” [Elena Poniatowska en su texto “La pasión según Nahui Olin: Cariñosamente dentro de su cuerpo”].

Casada joven con  el militar y pintor Manuel Rodríguez Lozano, cuando su padre fue enviado a Europa por el presidente Victoriano Huerta, la pareja se embarcó a Francia y después a España, donde se relacionaron con artistas como Picasso, Braque, Diego Rivera, Matisse, entre otros. Se separarían poco después de su regreso a México, seis años después de haber contraído matrimonio. Fue entonces cuando ella conoció a su primer gran amor, Dr. Atl, quien describió el encuentro en su Diario, resaltando la fecha del 22 de julio de 1921: “Entre el vaivén de la multitud que llenaba los salones se abrió ante mí un abismo verde como el mar, profundo como el mar: los ojos de una mujer. Yo caí en ese abismo […] ¿Cómo es posible que en un hombre como yo pueda encenderse una pasión con una tal violencia?”.
La pareja vivió durante un tiempo en el ex Convento de la Merced, siéndoles suficiente una tabla de madera por cama y saliendo a escribir y pintar a la azotea. Este sería el período más productivo para ella,  durante el cual se incrustaría en el medio artístico de la Ciudad de México, conociendo y asistiendo a reuniones con personalidades como Tina Modotti, María Izquierdo, Guadalupe Marín, Orozco, Siqueiros y Salvador Novo, entre otros. Es entonces cuando publicó la mayor parte de sus libros y realizó la mayor parte de sus cuadros. “Mi nombre es como el de todas las cosas: sin principio ni fin, y sin embargo sin aislarme de la totalidad por mi evolución distinta en ese conjunto infinito, las palabras más cercanas a nombrarme son NAHUI-OLIN. Nombre cosmogónico, la fuerza, el poder de movimientos que irradian luz, vida y fuerza. En azteca, el poder que tiene el sol de mover el conjunto que abarca sus sistema.”

Finalmente, durante un viaje a España, Nahui conoció al capitán Eugenio Agacino, su último gran amor, con quien hizo viajes a Cuba, Nueva York, Francia y España. Después de que éste falleciera trágicamente a causa de una intoxicación en altamar, el día 24 de diciembre de 1934, ella se retiró de la vida pública, recluyéndose para dedicarse a su arte en soledad.
Algunas muestras de su escritura : ¿QUIÉN TE AGITA?

–¿Quién te agita, oh, espíritu mío? ¿Es el amor? Es la sed feroz de comprender, de saber más hasta llenar el inmenso vacío, hasta sobrepasarlo completamente. Tú amas, tú crees amarlo todo y nada te basta. Quieres sumergirte en los pensamientos de Pascal, Voltaire, Renan, Platón y Aristóteles para saciar tu razón, para practicarla, para engrandecerla, para animarla de una vida que le es necesaria, para demostrarle que el pensamiento humano es infinito, que ella puede seguir aprendiendo, sabiendo, sintiendo, razonando, que nada le bastará, y que al final de mi carrera no habrá aprendido, sabiendo lo que habría podido aprender. Quiero vaciar en mí misma hasta los últimos jugos de las bellezas del arte de las obras humanas; sí, quiero sentir lo que todos han sentido. Después de haber aprendido hay que aprender siempre. Me moriría de dolor si se me privara de esta vida intelectual, de toda fuente de filosofía, poesía, juicio, estudio, razonamiento; seguramente moriría disecada como una planta sin aire.–

À dix ans sur mon pupitre

-o-

BAJO LA MORTAJA DE NIEVE DUERME LA IZTATZIHUATL EN SU INERCIA DE MUERTE

Bajo la mortaja de leyes humanas, duerme la masa mundial de mujeres, en silencio eterno, en inercia de muerte, y bajo la mortaja de nieve– son  la Iztatzihuatl,
en su belleza impasible,
en su masa enorme,
en su boca sellada
por nieves perpetuas,–
por leyes humanas.–
Mas dentro de la enorme mole, que aparentemente duerme, y sólo belleza revela a los ojos humanos, existe una fuerza dinámica que acumula de instante en instante una potencia tremenda de rebeldías, que pondrán en actividad su alma encerrada, en nieves perpetuas, en leyes humanas de feroz tiranía.– Y la mortaja fría de la Iztatzihuatl se tornará en los atardeceres en manto teñido de sangre roja, en grito intenso de libertad, y bajo frío y cruel aprisionamiento ahogaron su voz; pero su espíritu de independiente  fuerza, no conoce leyes, ni admite que puedan existir para regirlo o sujetarlo bajo la mortaja de nieve en que duerme la Iztatzihuatl en su inercia de muerte, en nieves perpetuas.–

Óptica cerebral. Poemas dinámicos.

-o-o-

SUPREMO EGOÍSMO

El egoísmo supremo es el inagotable deseo, la ambición desmedida del vivirse en el aislamiento, supremo egoísmo–Satisfacción cerebral.–
No hay nada más interesante que el mundo que llevamos dentro–no hay nada más ilimitado que nuestro espíritu, y no debemos buscar ninguna otra fuerza o potencia para vivir o para producir: hay que fecundar en sus propias entrañas y dar a luz.–
Pretender obtener de todas las cosas fuerza, y expresarla, es impotencia, debilidad, nulidad.–
Bastarse a sí mismo es la eliminación de toda necesidad–la solución del problema intelectual.–
Soledad, magnitud donde sólo uno se escucha, donde no subleva el ruido de la matraca impertinente y absurda de la pobre humanidad que de uniformadas y mezquinas opiniones vive, aturdiéndose de trágicas risas nerviosas, nacidas del terror de mirar el propio vacío, la nada que cada uno significa,–cadáveres flotantes antes de la podredumbre misma del pellejo.–

Unas citas remarcables:

«De que Nahui Olin tenía el mar en los ojos no cabe la menor duda. El agua salada se movía dentro de las dos cuencas, y adquiría la placidez del lago o se encrespaba furiosa tormenta verde, ola inmensa, amenazante. Vivir con dos olas del mar dentro de la cabeza no ha de ser fácil».
—Elena Poniatowska

«Nahui era de esas personas, como Frida, que se desconocen, que no se encuentran, que no saben quiénes son, que se fotografían y autorretratan para verse a sí mismas».
—Andrés Henestrosa

«La nahuimanía reemplazará a la fridomanía. Habrá postales, camisetas y gorras con las iniciales N.O., líneas de perfumes y productos de belleza»
—José Emilio Pacheco

«Rubia, con una cabellera rubia y sedosa atada sobre su faz asimétrica, esbelta y ondulante, con la estatura arbitraria pero armoniosa de la Venus naciente de Boticelli. Los senos erectos bajo la blusa y los hombros ebúrneos, me cegó en cuanto la vi. Pero sus ojos verdes, me inflamaron y no puse quitar los míos de su figura en toda la noche. ¡Esos ojos verdes! A veces me parecían tan grandes que borraban toda su faz. Radiaciones de inteligencia, fulgores de otros mundos. ¡Pobre de mi!»
—Dr. Atl

 Se rebeló contra el rol destinado para su género. “Las mujeres”, escribió, “son flores sin savia, flores para macetas”, ese es el “cáncer con que nacemos, estigma de mujer aprisionada y reprimida por los poderes religiosos y paternos”. Aunque no fue su objetivo, su lugar en la historia del avance y reconocimiento de los derechos de las mujeres es innegable.-

Fuentes de consulta:

Documental https://www.youtube.com/watch?v=94MEFGjB7gA
Pág de arte y escritos [clic] http://arteyescritos.tumblr.com/post/46350387955/nahui-olin-desdicha-y-esplendor

ch – 26.9.2018



 

Lila, bello artificio cinético de Carlos Lascano

video https://www.youtube.com/watch?v=sUy6WJL7wV8

El cineasta Carlos Lascano vive y trabaja hace años en Europa. Suele visitarnos, a quienes hemos quedado en Mar del Plata: mamá, papá, su hermano Julio, y muchos amigos. Cuando viene muestra sus nuevos y anteriores trabajos, siempre abierto y accesible a charlas y preguntas. Difunde su quehacer en internet y las redes, donde le “robamos” información para nutrir sitios y canales propios. Es generoso e idealista en todos los buenos sentidos.

Esta vez quiero añadir a lo mostrado en https://reyaller.wordpress.com/2014/06/01/cine-de-animacion-por-carlos-lascano  sus respuestas a una entrevista  realizada en la India:

Carlos Lascano’s Advice To Aspiring Directors

Atmaj Vyas AUG . 30 . 2018

Recently, Carlos Lascano, who is an award-winning director was in Mumbai to conduct a masterclass in filmmaking. He was also here to promote his new film, Lila which will premier on Star Movies Select HD in September. Lila is a part of the Select Short Stories. The Argentian writer-director is well known for his works in animation and illustration. He is a multi-faceted artist who has successfully made incursions into painting, illustration and comics. I caught u with him to pick his brains about filmmaking, direction and a lot more. Here’s what he had to say.

Tell us a little about how you got started on this path.

I come from a family with strong artistic and academic formations. My parents are both lawyers and artists at the same time. My father paints and my mother loves to write! I actually went to law school and I finished my studies as a lawyer. Even if I never worked as a lawyer, those years in the university left some strong concepts about philosophy, sociology, and other amazing humanistic thoughts and values. During my university years, I was still working on paintings, exhibitions and short films. Before finishing the career, and while I was still in my early 20s, I founded my first production company and it went better than I could’ve imagined at that age. I discovered I could make a very decent living out of it and that is when I decided to spend the whole of my life devoted to art creation.

Where does your passion for animation and illustration come from and how does that merge with your artistic style of direction?

I always loved to tell stories despite the technique I was using to do it. Animation came as a natural way to express mixing both passions: storytelling and drawing skills. However, I always felt that to stick to only one technique would be limiting myself and that is why I decided to experiment by mixing different ones and creating new approaches to visually narrate my stories. During this time of discovery, I found a particular graphic style that was a consequence of my personal taste, my references, and in a strange way, mixed new technologies with old techniques.

What do you think is the most captivating part of film-making? Why do you do it?

There are many moments and all of them are magical. I love working with the actors and discovering the hidden side of the characters. I love working with musicians to find ways to tell the story in a complementary way through music. I think that the most captivating part is the possibility to play with time! This is something that we do at the moment editing a film. Playing with time is something that we cannot do in our daily lives since everything is linear and happens in a strict order. Remembering our life and editing a film have a lot of things in common. The idea of applying these instinctive processes to a craft and finding techniques to play with it is something that I find captivating.

What would you say are some of the most essential qualities every film-maker and aspiring director should have?

The ability to visualize things, to imagine the film when it is still just an idea. If we imagine the film in our heads before making it, then it would be easier to overcome the difficulties we will face during the filmmaking process and deal with it accordingly. Good filmmakers are visionaries and that is what gives them the strength to lead a team, follow a dream and of course, passion and perseverance. Succeeding in something as difficult and competitive as making films requires a lot of sacrifices and an enormous amount of love and energy. Perseverance is crucial. Failing once, twice, thrice won’t matter as long as we have enough passion.

On that note, what makes the great ones stand out from the good ones?

I would say the ability to communicate an idea regardless of the medium. To overcome the technique and reach the spectator’s heart. Also, a lot of luck!

Directors are always looking to be inspired by things. What is something that has inspired you all your life?

What inspires me the most, is life! This is why I used to travel so much and get to know people. I love new cultures! This is why I am so impressed here in India because I found in this beautiful country a lot of passionate people with a lot of creativity and energy. So the inspiration for me comes from experiences and experiences come when you are living your life strongly.

Talking about inspiration, could you tell us a little about your new short film, LILA? What was the idea and inspiration behind that?

Lila is about a girl who is trained to fudge reality with the small drawings she makes in her notebook. This comes from a game I used to play when I was a kid. When I was worried, I would open a magazine, cover a part of the picture with a piece of paper and draw the rest of it with my imagination. In time, I realized that it was something beautiful that I was doing. I was creating some sort of a story or some artwork. So I created a character who does exactly what I would do in my daily life.

If you had to tell aspiring film-makers two things, what would they be?

First of all, have passion! You need to have a passion for what you’re doing. If you are here to make films then please do it with passion and always believe in what you are doing. The second thing you need is perseverance. Do not be disappointed, because everything that you do is going to be difficult. You need to continue trying and don’t worry about mistakes. Everyone makes them, including me.

Lastly, do you have a message for your fans in India?

I am impressed with the people in India and I would love to come to India more often. I have two things to say! Firstly, I would love to see more short films, more creations from Indian filmmakers and secondly, I would love one day to do something here.

So there you have it. If you’re an aspiring director and you wanted some advice from a pro, you’ve got everything you need. Make sure you check out his new short film, Lila as well.  [fuente: Miss Malini.com] – ch


 

Silhouetas alemanas: Charlotte Reiniger

Disculpen , amables lectores de todo género, la formación lingüística que encabeza este post. En busca de una aceptable etimología – oscilante entre el latín, el éuskara y el francés – para la voz “silueta”, se acreditó  ese engendro híbrido que a varias hace justicia. En alemán quedó patentada sin modificaciones con la forma Silhouette f. y los significados: ‘Umriß, Kontur’, von frz. silhouette ‘Schattenriß, Scherenschnitt, Umriß’. In Anspielung auf den nur acht Monate amtierenden, dann in Ungnade gefallenen französischen Finanzminister E. de Silhouette … Daher die adverbielle Wendung frz. à la silhouette = vorübergehend, unvollständig’ ; portrait à la silhouette ‘Schattenriß’, verkürzt und substantiviert silhouette. Seit der 1. Hälfte des 20. Jhs. in der Sprache der Damenmode , auch ‘(schlanke, schmale) Linienführung’ eines Kleides oder  eines Körpers.-

Cuando macerantes energías imponen seleccionar entre los espectáculos que atestan las carteleras , reconforta que MARFICI (festival internacional de cine independiente de Mar del Plata) haya reiterado su difusión de creaciones cinematográficas de calidad, casi nunca distribuidas en el circuito comercial. Merecen loas sus organizadores, cuyos nombres no he podido averiguar.

De lo que he visto sobresalen cortometrajes de animación y un documental – TANZ DER SCHATTEN – donde se aprecia parte de la obra de Lotte Reiniger , realizadora alemana que vivió entre 1899 y 1981, fechas que coinciden con las que en espacios y quehaceres muy diferentes la vida deparó a mi papá Reinhold Haller (quien desde ya nunca conoció a su coetánea).

Lotte había nacido en un distrito elegante de Berlin, de familias burguesas. Desde la niñez la apasionaron las “sombras chinescas”, antecesoras del teatro de sombras, así como los efectos visuales de George Méliès.  Tomó clases de actuación escénica y asistió a cursos de investigación cultural donde conoció a Carl Koch, con quien se casó en 1921 y fue quien le construyó los soportes mecánicos para las tomas de animación con los muñecos y recortes de sombras que ella confeccionaba tijeras en mano.  A las películas mudas pronto siguieron las sonorizaciones para filmes publicitarios y luego una serie de adaptaciones de célebres cuentos para niños, y hasta una versión musicalizada con el mozartiano personaje de Papageno. Corresponde añadir  que una de sus más extensas animaciones – LAS AVENTURAS DEL PRÍNCIPE ACHMED – obtuvo éxito a salas llenas y aun con público adulto en la época de su estreno (1926) y también integró la ya comentada muestra del MARFICI,  en este rubro auspiciada por el Goethe-Institut de Buenos Aires.

No faltaron a Lotte Reiniger generosos apoyos económicos de índole privada, así como aportes musicales provenientes de compositores de nota, entre ellos Paul Dessau, Kurt Weill, Igor Stravinsky y Paul Hindemith. La frecuentación de medios artísticos y sociales poco estimados por el régimen nacionalsocialista instaurado en 1933 colocó a Koch y Reiniger en situación incómoda. Ello los decidió a salir de Alemania en 1935. Pasaron por Londres, donde no obtuvieron permiso de residencia permanente; continuaron con breves etapas en Paris y en Roma. En la navidad de 1943 regresaron a Berlin para cuidar en su enfermedad a la madre de Charlotte. Entre 1944 y 1947 produjeron el film La oca dorada (Die goldene Gans).
Entre 1945 y 1948, Lotte y su amiga Elsbeth Schultz crearon para el “Teatro de sombras” de Berlin versiones de los cuentos Hermanito y hermanita, El gato con botas y La bella durmiente. En 1949, Lotte y su marido se establecieron en Londres y escenificaron filmes para la BBC. En 1955 realizaron su primer film sobre un fondo de color. En 1963 muere Carl Koch.
Todo intento descriptivo o valorativo de la tarea cumplida por Reiniger y Koch palidece al lado de la contemplación directa de sus filmes. Aquí se copian los links hacia algunos de ellos:
Página con referencias varias http://www.lottereiniger.de
Datos en inglés https://www.awn.com/mag/issue1.3/articles/moritz1.3.html
 Datos e ilustraciones https://wfpp.cdrs.columbia.edu/pioneer/lotte-reiniger
Archiv in Tübingen https://www.kulturstiftung.de/silhouetten-im-schatten
informe y video https://www.youtube.com/watch?v=T8tvxyZF4Uc
Videos  https://www.youtube.com/watch?v=tyIYV-qBiiw  und https://www.youtube.com/watch?v=vDojanzKKmw  und https://www.youtube.com/watch?v=LvU55CUw5Ck  und https://www.youtube.com/watch?v=1A38fUONi_o  und https://www.youtube.com/watch?v=ZxyWxjgMW6o  und https://www.youtube.com/watch?v=DM1YJDe4R4U  und Hänsel und Gretel https://www.youtube.com/watch?v=KxkIGXVwZTM und https://www.youtube.com/watch?v=VLRfuyMFBXs und https://www.youtube.com/watch?v=JIgPA4pMw_g  und “Papageno” https://www.youtube.com/watch?v=h4uUchB429M und https://www.youtube.com/watch?v=ecbMr7_ADKc  und Rapto del serrallo https://www.tagblatt.de/Nachrichten/Lotte-Reiniger-Video-aus-dem-Film-A-night-in-a-Harem-v874.html  y Bella Durmiente https://www.youtube.com/watch?v=qBYyol_uBTc  

GRACIAS A MARFICI y a quienes ayudaron!

kalais haller 11.8.2018
Adición : premiados del MARFICI 2018 ver https://www.0223.com.ar/nota/2018-8-12-14-3-0-los-premiados-de-la-14-edicion-del-marfici


 

del Buque fantasma al Holandés errante

[ver un antecedente de este Beitrag en Wagners Oper – Der fliegende Holländer on May 24, 2018 ]

Steuermann, lass die Wacht! https://www.youtube.com/watch?v=-u48NrqBfPw&t=150s

En  https://analfa.wordpress.com/2018/05/15/el-buque-fantasma-redivivo   mencionábamos recuerdos personales de lecturas juveniles poco recomendables (“literatura de kiosko”  o “Schmöker” según la despectiva calificación materna), en cuyo generoso surtido no podían faltar los relatos de tema marino, no todos merecedores de vituperio canónico. Allí aparecía una extensa gama de atrapantes descripciones, aventuras y caracteres, tan difíciles de olvidar como muy aptas para suscitar admirativa aceptación o fe emulativa.

Tal vez desde ahí arranque la acrítica actitud de “suspender el juicio” mientras va sustanciándose la inmersión atenta en cualquier universo narrativo (conseja de abuelos, camelo de estafadores, perorata de políticos o sacerdotes). Antes de que sobreviniese el corrosivo respingo de  la razón, quedaba instalado en sus bodegones el virus de credulidad del lector u oyente.

Esa misteriosa cualidad que torna tan creíbles a los relatos y a ciertos medios que los propagan, solo flaqueaba en mi ánimo ante determinada clase de los mismos: los cuentos con olor a chamusquina infernal y las habladurías sobre fantasmas. De ahí que yo haya llegado tan tarde, y de refilón, a la grandiosa “Commedia” y al imprevisible “Fausto”. Pues por creerme avispado y autodefinición materialista, solía repetir: “Los fantasmas no existen. Esqueletos, a sus vitrinas”.

El axioma se complicó cuando a más de espectros “humanos” se rumoreaba también de “buques fantasmas”. La alerta provino igualmente de un opúsculo kioskero, un “Schmöker” del autor británico Frederick Marryat cuya experiencia como navegante le permitió luego escribir novelas sobre la vida en alta mar, convirtiéndose en uno de los primeros autores del género. Entre sus “mejores” escritos se encuentra The Phantom Ship(1838/9), donde sobre un antecedente histórico y una tradición remota se explora el tema del Flying Dutchman. Condenado a navegar eternamente a bordo de una nave sobre los mares del mundo como sanción por una blasfemia, el capitán de ese “ghost ship”no obtendrá descanso ni rescate hasta lograr un amor desinteresado o una salvación sobrenatural.

  

                    Captain Marryat                                                        Harry Heine
[notas para el vocabulario: Schmöker»Schmok« ist ein niederdeutsches Wort für Rauchiges. Ich schmoke mein Pfeifchen. Es qualmt. Ich lese und rauche dabei, ich lese und rauche, rauche und lese, das Buch vergilbt mir unter den Händen, aber ich lass es nicht aus. Ein dergestalt verräuchertes Buch wird Schmöker genannt. Das Attribut »göttlich« ziert einen Schmöker etwa in dem Sinn, wie es in der ersten Glanzzeit des Kinos einigen wenigen Filmstars beigegeben wurde, es spielt auf die Qualität der Unkritisierbarkeit, des gleichsam existenziell Entwaffnenden an. Ein göttlicher Schmöker kann ein literarisches Kunstprodukt sein, mit Anstand geschrieben, von ernster Stilgesinnung und einem schönen moralischen Anspruch geprägt. Aber er kann auch das Gegenteil sein: ein spekulatives Machwerk, ein nichtswürdiges Monstrum, ein Unflat in Worten und Sätzen. Das Wunderliche ist nur, dass sich nach der Lektüre eines göttlichen Schmökers diese Alternative nicht stellt. Denn ich begegne ihm nicht wie einem geschriebenen Buch, sondern ich falle ihm anheim wie einer Droge. ]
[Unflat m. ‘widerlicher Dreck’,. ‘Schmutz, Unsauberkeit, Unreinigkeit, Sünde, Unkeuschheit, Schande, Schmach, unsauberes Wesen, Auswurf’ ‘Unreinigkeit, Schmutz’, ‘Schmutz, gemeiner Kerl’ sind von einem in mhd. vlāt f. ‘Sauberkeit, Zierlichkeit, Schönheit’ (vgl. das zweite Kompositionsglied in Namen wie ahd. GundiflātSigiflāt) ‘spülen, waschen, säubern, sich (im Wasser) hin und her bewegen’ und zu der unter ↗Flut (s. d.) behandelten Wortgruppe gehört. Maskulines Genus setzt sich vom 17. Jh. an durch, vielleicht unter Einfluß von SchmutzDreck. unflätig Adj. ‘grob, unanständig’ ]
El motivo que lleva a desempolvar en esta nota la novela de Marryat y la leyenda del holandés errantereside en la tardía pretension de reconstruir – para fines didácticos – un material narrativo que conduce desde anónimas fuentes orales, pasando por una digresion de Harry o Heinrich Heine al margen de una de sus satíricas crónicas, hasta desembocar en la creación dramático-musical de uno de los mayores genios musicales de Europa.
A inicios del verano de 1839 – el año de la primera edición del libro de Marryat -, zarpa de un puerto  alemán del mar Báltico  un barco entre cuyos pasajeros se encontraba, huyendo de sus acreedores, el músico Richard Wagner. Había perdido su empleo como Kapellmeister en la ciudad letona de Riga; llevaba entre sus folios la partituta del Rienzi ; su inmediato destino era Londres, con la esperanza de proseguir viaje hacia Paris. Las tormentas lo demoraron más de un mes en fiordos de la costa escandinava, y cuando llegó a Inglaterra había adquirido experiencia directa del navegar entre borrascas, a más de las historias leídas a ese respecto y las escuchadas de boca de los marinos. Así nutrió su información sobre el tema que utilizó en la primera de las obras que le iluminaron el camino hacia su propio estilo: la ópera Der fliegende Holländer, estrenada en Dresden en 1843.

La fábula del Holandés Errante es una de las más famosas y más antiguas leyendas del mar; su origen se remonte a tiempos anteriores al nacimiento de Cristo. Un capitán holandés desafía la ira de Dios y como resultado es condenado a navegar por los océanos eternamente, provocando la muerte de todos cuantos ven su nave espectral. La versión más conocida habla de un tal capitán Vanderdecken, cuya nave qudó atrapada en una terrible tormenta cuando doblaba el cabo de Buena Esperanza. Los pasajeros, aterrorizados, rogaron a Vanderdecken que se refugiara en un puerto seguro o que, por lo menos, arriara velas a intentara capear el temporal, pero el enloquecido capitán se rió de sus súplicas y, atándose al timón, comenzó a cantar canciones sacrílegas, provocando así la ira de Dios…Se le condena a recorrer el océano eternamente, siempre en medio de una tempestad.

In einer beiläufigen Schrift Heinrich Heines ist zu lesen: « …Jenes hölzerne Gespenst, jenes grauenhafte Schiff, führt seinen Namen von seinem Kapitän, einem Holländer, der einst bei allen Teufeln geschworen, dass er irgendein Vorgebirge, dessen Namen mir entfallen, trotz des heftigen Sturms, der eben wehte, umschiffen wolle, und sollte er auch bis zum Jüngsten Tage segeln müssen. Der Teufel hat ihn beim Wort gefasst, er muss bis zum Jüngsten Tage auf dem Meer herumirren, es sei denn, dass er durch die Treue eines Weibes erlöst werde. Der Teufel, dumm wie er ist, glaubt nicht an Weibertreue und erlaubte daher dem verwünschten Kapitän, alle sieben Jahr einmal an Land zu steigen und zu heiraten, um bei dieser Gelegenheit seine Erlösung zu betreiben. Armer Holländer! Er ist oft froh genug, von der Ehe selbst wieder erlöst und seine Erlöserin loszuwerden, und er begibt sich dann wieder an Bord… » – So Heinrich Heines eigentümliche Anwendung der alten Seemannssage, die wir in dem siebten Kapitel seines 1834 gedruckten Romanfragments Aus den Memoiren des Herrn von Schnabelewopski  finden.

Und daraufhin, Wagners eigenes Bekenntnis : »Die Sage vom fliegenden Holländer, wie ich sie aus dem Munde der Matrosen bestätigt erhielt, gewann in mir eine bestimmte poetische Farbe«, entsinnt er sich später (1842) in seiner autobiografischen Skizze. »Der fliegende Holländer, dessen innige Bekanntschaft ich auf der See gemacht hatte, fesselte fortwährend meine Fantasie; dazu machte ich die Bekanntschaft mit H. Heines eigentümlicher Anwendung dieser Sage in einem Teile seines Salons

Der fliegende Holländer, „Romantische Oper in drei Aufzügen“, ist eine Oper von Richard Wagner, die 1843 uraufgeführt wurde. Titel auf Spanisch : El holandés errante.- Libretto der Oper, siehe http://www.opera-guide.ch/opera.php?uilang=de&id=409#libretto

(auszugsweise, nur zur Übung der Sprache) :

Erster Aufzug

Holländer.

Mein Schiff ist fest … es leidet keinen Schaden.
[Mit Ausdruck aber ohne Leidenschaft.]
Durch Sturm und bösen Wind verschlagen,
irr auf den Wassern ich umher;
wie lange? weiß ich kaum zu sagen,
schon zähl ich nicht die Jahre mehr.
Unmöglich dünkt mich’s, daß ich nenne
die Länder alle, die ich fand: –
das Eine nur, nach dem ich brenne,
ich find es nicht – mein Heimatland!
Vergönne mir auf kurze Frist dein Haus,
und deine Freundschaft soll dich nicht gereun!
Mit Schätzen aller Gegenden und Zonen
ist reich mein Schiff beladen; willst du handeln,
so sollst du sicher deines Vorteils sein!

Daland.

Wie wunderbar! Soll deinem Wort ich glauben? 
Ein Unstern, scheint’s, hat dich bis jetzt verfolgt: – 
um dir zu frommen biet ich, was ich kann … 
Doch darf ich fragen … was dein Schiff enthält?

Holländer

Den Preis? Soeben hab ich ihn genannt: 
dies für das Obdach einer einz’gen Nacht! 
Doch, was du siehst, ist nur der kleinste Teil 
von dem, was meines Schiffes Raum verschließt … 
Was frommt der Schatz? Ich habe weder Weib noch Kind – 
und meine Heimat find ich nie! 
All meinen Reichtum biet ich dir, wenn bei 
den Deinen du mir neue Heimat gibst!

Zweiter Aufzug

[Ein geräumiges Zimmer im Hause Dalands; an den Seitenwänden Abbildungen von Seegegenständen, Karten usw. An der Wand im Hintergrunde das Bild eines Mannes mit dunklem Barte und in schwarzer Kleidung. – Mary und die Mädchen sitzen um den Kamin herum und spinnen; – Senta, in einem Großvaterstuhle zurückgelehnt und mit untergeschlagenen Armen, ist im träumerischen Anschauen des Bildes im Hintergrunde versunken.]

…[Die Mädchen rücken, nachdem sie ihre Spinnräder bei Seite gesetzt haben, die Sitze dem Großvaterstuhle näher und gruppieren sich um Senta. Die Amme bleibt am Kamin sitzen und spinnt fort.]

Senta.

… … … … 
Hui! – Wie ein Pfeil fliegt er hin, 
ohne Ziel, ohne Rast, ohne Ruh! 
Doch kann dem bleichen Manne Erlösung einstens noch werden, 
fänd er ein Weib, das bis in den Tod getreu ihm auf Erden! – 
Ach! wann wirst du, bleicher Seemann, sie finden? 
Betet zum Himmel, daß bald 
ein Weib Treue ihm halt!

[Gegen das Ende der Strophe kehrt Senta sich gegen das Bild. Die Mädchen hören teilnahmvoll zu; die Amme hat aufgehört zu spinnen.]

Bei bösem Wind und Sturmes Wut 
umsegeln wollt er einst ein Kap; 
er flucht’ und schwur mit tollem Mut: 
»In Ewigkeit laß ich nicht ab!« – 
Hui! – Und Satan hört’s! Johohe! – Hojohe! 
Hui! – Und Satan hört’s! – Johohe! Hojohe! 
Hui! – Und verdammt zieht er nun 
durch das Meer ohne Rast, ohne Ruh! 
Doch, daß der arme Mann noch Erlösung fände auf Erden, 
zeigt Gottes Engel an, wie sein Heil ihm einst könne werden! 
Ach möchtest du, bleicher Seemann, sie finden! 
Betet zum Himmel, daß bald 
ein Weib Treue ihm halt!

[Die Mädchen sind ergriffen und singen den Schlußreim leise mit. Senta fährt mit immer zunehmender Aufregung fort.] 

Vor Anker alle sieben Jahr, 
ein Weib zu frei’n, geht er ans Land: – 
er freite alle sieben Jahr … 
noch nie ein treues Weib er fand! 
Hui! – »Den Anker los!« Johohe! Hojohe! 
Hui! – »Die Segel auf!« – Johohe! Hojohe! 
Hui! – »Falsche Lieb, falsche Treu! 
Auf in See! Ohne Rast! Ohne Ruh!« – –

[Senta, zu heftig angegriffen, sinkt in den Stuhl zurück; die Mädchen singen nach einer Pause leise weiter.]

Mädchen.

Ach! wo weilt sie, die dir Gottes Engel einst könne zeigen? 
Wo triffst du sie, die bis in den Tod dein bliebe treueigen?

Senta [von plötzlicher Begeisterung hingerissen, springt vom Stuhle auf.]

Ich sei’s, die dich durch ihre Treu erlöset! 
Mög Gottes Engel mich dir zeigen! 
Durch mich sollst du das Heil erreichen!

-o-o-

[Libretto http://operetta.stanford.edu/Wagner/Hollander/libretto.html ]

Die Handlung (plot) :

Erster Aufzug

Das Schiff des Daland gerät in einen schweren Sturm und geht unweit des Heimathafens in einer geschützten Bucht vor Anker. Während die Mannschaft ruht, taucht dort auch gespenstisch wie aus dem Nichts das Schiff des Holländers auf, der einst gotteslästerlich geschworen hatte, er werde in Ewigkeit nicht ablassen, das Kap der Guten Hoffnung zu umrunden, und der deswegen tatsächlich dazu verdammt worden ist, für ewig auf See zu sein. Nur alle sieben Jahre ist ihm vergönnt, an Land zu gehen. Fände er dort eine Frau, die ihm treu bliebe, so wären er und seine Mannschaft erlöst. Gerade sind wieder einmal sieben Jahre vergangen (Die Frist ist um – und abermals verstrichen sind sieben Jahr. Voll Überdruß wirft mich das Meer an Land …); der Holländer hofft verzweifelt auf die uneingeschränkte Liebe einer Frau, damit er seine Sterblichkeit zurückerlangt und endlich sterben kann:
Trotzdem wirbt er bei Daland um die Hand von dessen Tochter Senta. Daland, beeindruckt von den reichen Schätzen, die der Holländer auf seiner Fahrt gesammelt hat, stimmt zu. Nachdem der Sturm nachgelassen hat, segeln die beiden Schiffe in Richtung Dalands Heimat.

Zweiter Aufzug

In einer Stube erwarten die Mädchen singend und spinnend die Rückkehr ihrer zur See fahrenden Liebsten. Nur Senta verweigert sich und trägt stattdessen die Ballade vom „Fliegenden Holländer“ vor, dessen Schicksal sie rührt. Senta wird vom jungen Jäger Erik umworben, der besorgt die Träumereien seiner Liebsten wahrnimmt, die immer vor dem düsteren Bild des Seefahrers alles Andere zu vergessen scheint. Senta fühlt sich berufen, den „armen Mann“ zu erlösen. Verzweifelt verlässt Erik das Mädchen, als Sentas Vater mit dem Holländer das Zimmer betritt. Senta weiß nun, dass ihr beschieden ist, das Erlösungswerk zu vollbringen. Zwischen ihr und dem Holländer entsteht ein inniges Einverständnis, und die Verbindung wird vorbereitet.

Dritter Aufzug

Im dritten Aufzug rüsten die Seeleute zum Fest (Steuermann, lass die Wacht )

Chor der Seeleute:

Steuermann! Lass die Wacht!
Steuermann! her zu uns!
Ho! He! Je! Ha!
Hisst die Segel auf! Anker fest!
Steuermann, her!
Fürchten weder Wind noch bösen Strand,
wollen heute mal recht lustig sein!
Jeder hat sein Mädel auf dem Land,
herrlichen Tabak und guten Branntwein.
Hussassahe!
Klipp’ und Sturm’ drauß – Jollohohe!
lachen wir aus! Hussassahe!
Segel ein! Anker fest!
Klipp’ und Sturm lachen wir aus!
Steuermann, lass die Wacht!
Steuermann, her zu uns!

Steuermann, her trink mit uns!
Ho! He! Je! Ha!
Klipp’ und Sturm’ He! sind vorbei, he!
Hussahe! Hallohe! Hussahe!
Steuermann, Ho!
Her, komm und trink mit uns!).

Verwegen versuchen sie auch die Mannschaft des Holländer-Schiffes einzuladen, doch aus dem Schiff schallt ihnen nur beängstigendes geisterhaftes Dröhnen entgegen, so dass sie entsetzt und verängstigt fliehen. Erik bittet Senta noch einmal, sich ihrer früheren Vertrautheit und Liebe zu entsinnen, und erinnert sie daran, dass sie ihm ewige Treue gelobt habe, was Senta erschrocken leugnet. Der eintretende Holländer hat das Gespräch mitgehört und ist sich sicher, dass auch Senta ihm nicht die erhoffte Treue halten kann und wird. Um sie vor der Verdammnis zu bewahren, erzählt er ihr (was sie längst weiß) von seinem Fluch.

(Erfahre das Geschick, vor dem ich Dich bewahr). Er eilt zu seinem Schiff, um auf ewig unerlöst zu bleiben. Doch Senta setzt ihm nach, verkündet nochmals laut, ihm treu  bis zum Tod zu sein, und stürzt sich von dem Felsen ins Meer. Augenblicklich versinkt das Schiff des Holländers in den Fluten.

Der Holländer ist erlöst. – In einer späteren Korrektur des Schlusses (1860) sieht man zur Musik mit dem „Erlösungsmotiv“ den Holländer und Senta aus dem Meer zum Himmel aufsteigen.

[verwegen Part.adj. ‘kühn, draufgängerisch’, mhd. verwegen ‘frisch entschlossen, etw. aufs Spiel setzend’, zu mhd. sich verwegen ‘sich rasch wozu entschließen, sich fortbewegen]